余 皓
表现主义音乐的核心是通过多元化的形式，展示人类的本质与情感体验，充分挖掘“内心世界”的基本情感，打破传统范式，追求绝对自由。在现代音乐发展过程中，表现主义音乐所呈现出的“张扬”特征，对于现代化音乐体系的创新，具有较强的借鉴意义。
（一）西方表现主义音乐的基本概念
表现主义音乐是第一次世界大战前在德国出现的一类“以人类精神与体验的突出表达” 为主导的音乐类型，其最早的代表作品为《月迷皮埃罗》。与传统的音乐相比，其主张无视调性规律，反对印象主义的客观性，认为艺术不应该被描写，也不应该被象征，而是采用最直接的方式突出情感，展示作者内心世界。表现主义音乐的节奏往往难以捉摸，节拍无序，但是却具有较强的流动性。强调“重新估定一切价值”，强调主观感受和人的内在精神。表现主义艺术家生活在这样的政治环境和哲学思潮中，非理性主义的哲学成为他们精神的依托和理论基础。他们认为这个社会是混乱的、荒诞的、不真实的，传统的文学艺术已不能反映他们对现实的看法，也不能反映他们孤独、困惑、绝望的情绪。因此，探索出一种新的艺术形式——表现主义。
（二）西方表现主义音乐的基本内涵
表现主义音乐力求使用简洁、单纯、明快、纯粹的方式突出个人情感。其本质是对所有传统的、公式化的音乐元素进行否定，核心是对主观情感的真实呈现，没有任何错觉、掩饰或者拐弯抹角。在情感表达上，表现主义所突出的是一种斗争性、激昂性的情绪，不重视音调的和谐，希望能够通过自由化的元素组合，挖掘内心的情感，激发潜意识，是社会动荡时期的直接反映。
（三）西方表现主义音乐的主体特点
西方表现主义音乐具有三大特点：（1）无序化特点。无论是结构调式还是旋律，均通过无序化的形式集中展示出来，注重直抒胸臆，宣泄情感。（2）意识流特点。在表现主义音乐的内容表达和情感表达中，注重根据作者的意识进行情感阐述，突破了传统的以规范曲式结构表达的方式，具有一定的创新和突破。（3）简洁性特点。表现主义音乐不注重复杂的协奏及复合，仅通过具有较强穿透力的单音符，简洁明了地展示具体内容。
（一）音乐创作的无调性
20 世纪初期开始，表现主义音乐就逐渐开始从以半音体系和声形成的泛调性逐渐向自由无调性阶段转变。由此，不和谐和弦被广泛应用，实现了无调性创新。在表现主义音乐中，八度当中的每个音都是平等的，不分主次。在结构上，采用复合自由对位手法取代了传统的纵向和声手法，旋律短小；
零碎、频繁跳动，和声力度极端变化，节拍节奏模糊自由，同时又明快刺激。比如勋伯格的作品《月迷彼埃罗》中，采用了一种非常夸张的语调化旋律，并且引入“说白歌唱”的形式，精准展示了恐怖、狂乱、怪诞、迷茫的音乐特征。因摒弃了传统调性结构约束，所以在作品当中，音乐总是处于非常紧张的状态。由此可以更为精妙地反映出20 世纪初期特殊政治背景下人们的心理感受。勋伯格在表现主义音乐的发展当中，还引入了具有完整体系的十二音序列的作曲方法，影响深远。
（二）作曲技法的个性化
在表现主义音乐中，作曲技法方面主要采用特色化的“十二音音乐”的相关方法，通过找到一个可以取代调性、统一全区的结构形式，将一个八度中的十二个音孤立看待。其否定了传统十二音之间的依赖性以及主音的主导地位，提出了“一个音与另一个音相互关联的”十二音作曲法。这种创作技法当中，每个音需要在其余十一个音都出现后，方可进行重复，避免三和弦进行。同时，在音乐创造中，四、五度音程以及三全音音程尽可能仅使用一次，避免多音程干扰。比如在贝尔格的《小提琴协奏曲》中，便通过持续的八度音交替使用以及不同音程非重复设计，使旋律具有较强的跳跃性，突破了乐器与声乐的界限。
（三）共情表达的多元化
西方表现主义音乐在共情表达中，呈现出多元化的情感特质。具体体现在三个方面:（1）结构化。西方表现主义音乐不重视调式的应用，无视调式规律，将八度十二个半音作为主导音调，摒弃传统的主音、属音等方面的内容，旋律不具有均衡性，取而代之的是一连串独特音的连续，节奏难以捉摸。由于无视收束式、反复法与平衡法，故显得非常自由。但是由于其是以传统音乐为主导构造的新音乐体系，所以仍然保留有传统音乐中的宏观结构框架与特征。在共情表达方面，表现主义音乐希望能够通过整体与部分的衔接控制，充分凸显节奏性、艺术性、自由性和律动性。在结构化框架中，西方表现主义并未突破传统旋律、音调以及音律的限制，而是在一种可控的范围内自由变化。（2）内质化。西方表现主义音乐要求通过明亮的声音，简明扼要地突出情感，讲究气息的交换，注重真情流露，突出个性追求和内心追求。注重通过合理的方式，以不同的旋律进行情感的发泄与展示。在内质情感外化的过程中，更加注重直观性、真实性和有效性。（3）意境化。西方表现主义音乐注重通过粗犷的线条直抒胸臆，融入了西方意识流主义文学、西方美术、西方舞蹈等内容，通过旋律的互动、转换以及节奏的变化等，充分描绘出独特的沧桑意境，与西方其他音乐流派相比，对于意境或是境界的追求更为鲜明。虽然在内容上是非线性、非逻辑的，但是并不会产生违和感。整体而言，西方表现主义具有较强的独立性和自由性，同时注重借助节奏的变化突出核心观点。以意境表达为核心形态，更能够激发人的情绪，进而增强音乐的外在张力与扩展力。
（一）结构的个性化与融合化
在音乐的结构形式方面，西方表现主义音乐展现出的是一种散乱、混沌的形态，与民族音乐相比，更具有外部表现力和张力。西方表现主义音乐打破了旧的传统调性规律，强调个人的情感和内心感受，采用非传统弦和旋律，甚至不遵守传统的音乐规则。使用不协和音程，包括二度、七度和十二度音程，这些音程在传统的调性中被禁止使用。同时，使用新的调式和音阶，包括整音阶和半音阶。此外，还运用了复杂的节奏和对位。这些创新的音乐表现手法打破了传统的音乐调性规律，赋予音乐更加丰富、多彩和个性化的表现手段，拓宽了音乐的表现范畴。同时，注重音乐的有机融合，在作曲当中，往往采用不同的音乐元素。比如德国作曲家韦伯（Webern） 在其作品Kammerkonzert 中就加入了土耳其音乐元素。法国作曲家德布西 （Debussy） 也将西班牙民族音乐元素融入其作品《伊比利亚》中。这种融合不仅丰富了西方表现主义音乐的音乐元素，也使不同文化和民族之间更加融合。
（二）要素的独立性与关联性
从表现主义音乐实际来看，其各音乐要素之间存在一定的关联性，同时也具有一定的独立性。
在独立性方面，表现主义音乐在稳定与不稳定、从属与被从属的关系中解放出来。参照由力度、速度、节奏、织体等多种要素组成的宽泛的表情姿态，消除深度空间，回归二维平面，排除理性认知的介入，从而实现情感的直观表达。表现主义音乐主张放弃一切无意义的装饰，重现其语言最初的简洁、真实和强烈的表现力。具体内容包括：尽力避免单个乐音的反复，避免采用长线条的旋律主题，即便是片段性的主题也不作重复或再现；
尽力回避调性因素，消除不协和和弦的解决倾向。在这一情况下，民族音乐内质性可以得到显著改善，增强其渗透力与影响力，并且适应年轻人个性化发展的基本要求。
在关联性方面，表现主义音乐改变了单一的元素特征，“把在极大程度上获得人们重视的外在世界的单个事物从其与外在世界的不确定和紊乱的关联中，并由此从其演变的过程中解脱出来，而且采用对其材料个性的复现去把握它”。保证乐音、和弦、主题、乐段等结构要素可以贯通，进而突出音乐的承载力，关注更微观的形式要素的地位转变，如节奏、节拍、力度、音色等。
比如匈牙利作曲家巴托克 （Bartok），其作品中经常使用吉普赛音乐、匈牙利民歌等元素，但是其各个音乐主体要素方面又形成一种独立的体系，表现出无序性的特征。
（三）意识形态的拆分与共塑
西方表现主义音乐在意识形态表达的塑造中，采用渗透性的策略，主张拆分现有的连贯性的表现形式，以突出意境为重点拆分。在具体的细节方面，主要是在整体框架内将内容无序化，重视在这种无序拆分当中实现个人情感的宣泄。但是这种拆分并不是恶意的，而是以拆分为基础，实现意识形态表达的重塑，实现抒情性与主观性的融合，使其在意境构造方面更为张扬。在整个过程中，“它时而陷入悲观厌世的苦闷中，时而感到愤慨或慷慨悲凉，时而表现出坚毅不屈的精神，而且主人公形象实际上大多数蕴含着作曲家自己的形象，有强烈的主观色彩。强调‘人’和他的本性，突出‘个人’是感觉的中心、感情的焦点、幻想的主体，这个‘人’需要自我肯定、自我崇拜、自我想象以至自我宣泄”。但是民族音乐的意境本身是一种宏观意境。在表现主义音乐的意境设计当中，往往为了能够寻找精神慰藉，通过拆分与共塑，寄情于景，体现出自传性的美学追求。通过自然风情与自传性的有机结合，使相关的意境展示以及表达更为突出，具有现代化气息和色彩。
此外，表现主义音乐注重表现手法新颖与体裁样式丰富，在表现手法与体裁样式上有很多新的发展和创造，如旋律的抒情性大大加强，乐句结构的伸缩性大，以调性音乐为主，追求和声的色彩变化。探索各种乐器组合的可能性，力图取得绘声绘色的效果，形式结构也不断趋向自由。比如瑞士作曲家霍勒 （Holler），其作品中融合了阿尔卑斯山区域文化音乐风格和现代音乐表现手法，代表作品有《阿尔卑斯山组曲》。
本文系统分析了西方表现主义音乐和民族音乐的特征以及具体的艺术风格，从结构、形式、情感、意境等方面给予阐释。在未来的发展当中，表现主义音乐要想更为流行，符合年轻化的趋势，需要进一步融合其他音乐的表现技法以及特征，结合市场需求并借鉴融合，使其更加具有风格化特征。
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